Renoir e l’Impressionismo a Parigi

In principio fu l’Impressionismo: la nuova corrente nacque a Parigi alla fine del 1873 e si concluse nel giro di pochi anni, già nel 1886. Del gruppo di fondatori faceva parte anche Renoir. Gli Impressionisti dipingevano in un modo che aspirava a riprodurre l’aspetto mutevole delle cose, l’impressione, appunto, prodotta sull’occhio dalla realtà fenomenica: non c’erano né impegno sociale e politico, né l’intento di comunicare particolari contenuti.

I capolavori del periodo impressionista

A questa prima fase della produzione di Renoir appartengono capolavori come Après le bain e Le Moulin de la Galette, nei quali l’artista si concentra soprattutto su due aspetti: il primo riguarda gli effetti della luce, ottenuti grazie all’uso del colore, evitando i toni scuri e sovrapponendo macchie di pigmento; il secondo è l’impressione di moto vorticoso della folla brulicante, data dal ricorso a linee oblique e mosse delle figure.

Renoir e gli artisti italiani: un confronto

Uno degli obiettivi di questa mostra è anche evidenziare il doppio filo che lega Renoir all’Italia, e lo fa anche mettendo a confronto l’opera del francese con quella di alcuni artisti italiani, coevi o di generazioni successive. Dei primi fanno senz’altro parte quelli presenti a Parigi durante la breve parabola dell’Impressionismo, come il romagnolo Giovanni Boldini; Giuseppe De Nittis, molto vicino per temi, tecnica e atmosfera alla nuova corrente; Federico Zandomeneghi, interprete sensibile di soggetti femminili, che si lega in particolare a Renoir e a Edgar Degas e, dal 1879, partecipa anche alle mostre del gruppo.

Il più impressionista degli scultori

Fa invece storia a sé Medardo Rosso, che, arrivato a Parigi nel 1889, dà vita a uno stile scultoreo di originalità straordinaria che, con i suoi contorni sfaldati, sembra quasi evocare l’apparizione delle figure portando molti a considerarlo il più aderente corrispettivo plastico della pittura degli Impressionisti.

Il grand tour di Renoir: da Venezia a Palermo

L’Italia, come detto, fu una tappa fondamentale nel percorso artistico di Renoir: nel 1881, scosso da una profonda inquietudine creativa, l’artista decise di fare un tour in terra italiana che ebbe come prima tappa Venezia, dove fu affascinato da Vittore Carpaccio e da Giambattista Tiepolo, e proseguì a Firenze. Fu però il centro-sud a lasciare un segno profondo dentro di lui: se a Roma venne travolto dalla forza della luce mediterranea e dall’ammirazione per i maestri rinascimentali, a Napoli scoprì le pitture pompeiane e i capolavori antichi esposti al museo archeologico.

La baigneuse blonde: un’opera frutto di una rivoluzione creativa

Dopo un breve passaggio in Calabria, il viaggio si concluse a Palermo nel 1882, ma la sua eco continuò a vibrare nell’animo di Renoir, dando inizio a una rivoluzione creativa che lo avrebbe portato ad abbandonare per sempre sia la tecnica che la poetica impressioniste. Tali effetti si notano già in un’opera del 1882, La baigneuse blonde, dove la modella Aline Charigot, sua futura moglie, è ritratta come una Venere, mentre i chiaroscuri sono frutto della scoperta da parte di Renoir dell’arte antica e degli affreschi di Raffaello alla Villa Farnesina di Roma. Le linee diventano più nette, i contorni definiti, le forme plastiche. Riprendendo anche la lezione di Jean-Auguste-Dominique Ingres, per il quale ha grande ammirazione, il pittore recupera un tratto nitido e un’attenzione alle volumetrie e alla monumentalità delle figure, creando una sintesi che evidenzia la sua personale accezione di classicismo.

Renoir e Wagner: un incontro fortuito in Sicilia

Un episodio singolare del viaggio italiano di Renoir ebbe luogo nel gennaio del 1882 a Palermo, ultima tappa del suo personale grand tour: nella città siciliana, infatti, in quei giorni soggiornava anche il famoso compositore tedesco Richard Wagner. I due si incontrarono: cordiale ma piuttosto freddo, il musicista accettò di posare per un ritratto ma non si concedette che per poco più di mezz’ora. Il risultato fu un’opera che non idealizza eroicamente il soggetto e a Wagner probabilmente non piacque, visto che la descrisse così: “Sembra un embrione d’angelo ingoiato da un epicureo che lo ha scambiato per un’ostrica”.

Renoir e Il Libro dell’Arte di Cennino Cennini

Nel 1883 una lettura importante per Renoir è quella del trecentesco Libro dell’Arte di Cennino Cennini, nella traduzione francese di Victor Mottez, già allievo di Ingres. Sarà lo spunto per compiere sperimentazioni con i colori, i leganti, i pennelli e per ragionare sulla tecnica pittorica. Quello che Giorgio de Chirico, parlando di sé, definirà “ritorno al mestiere”, per Renoir è un’ulteriore tappa di allontanamento dalla poetica impressionista.

Le bagnanti e il nudo femminile

Il tema delle bagnanti, e più in generale del nudo femminile, era già stato affrontato da Renoir sia nella Baigneuse s’arrangeant les cheveux (1890 circa), nel quale la pennellata allungata e morbida e i colori madreperlacei rimandano ancora a una fase precedente, sia nel Nu au fauteuil (1900), che ha un sapore più ‘borghese’ e domestico. Ma è nella Femme s’essuyant (1912-1914) che la moderna classicità di Renoir appare evidente e riassume, col suo guardare a Rubens mentre tutt’attorno si scatenano le avanguardie, gli elementi del ‘nuovo ordine’ al quale, negli anni successivi, si sarebbero richiamati molti artisti. Tra gli italiani, in primis Giorgio de Chirico, che nella sua produzione dei primi anni Trenta rende un omaggio esplicito al maestro francese, ma anche, meno scontato, Ferruccio Ferrazzi.

I paesaggi di Renoir e la pittura en plein air

Pur ritenendosi prevalentemente un ‘pittore di figure’, Renoir si dedicò anche al paesaggio sia durante la stagione impressionista che, in seguito, dopo i viaggi nel Midi, in Algeria e in Italia, e l’acquisto prima di una casa a Essoyes nel 1898 e poi di una tenuta a Cagnes-sur-Mer, in Costa Azzurra, nel 1907. Benché fosse uno dei soggetti più difficili da rendere sulla tela, la possibilità di dipingere all’aria aperta lo rendeva felice trasmettendo gioia alla sua pennellata: in Antibes o Jeune fille et enfant dans un cadre champêtre (1900 circa) e in Jeune fille en rose dans un paysage (1903 circa) sembra di ravvisare un’eco delle scene bucoliche di Camille Corot.

Cagnes-sur-Mer: il paesaggio prediletto nel sud della Francia

Le opere esposte coprono un arco cronologico che va dal 1892 (con La Seine à Argenteuil, omaggio a un luogo di ormai lontane ascendenze impressioniste) al 1913 circa. Salvo che per quell’unico richiamo alla Senna, e dunque ai dintorni di Parigi, si tratta di vedute realizzate nel sud della Francia, in particolare a Cagnes-sur-Mer, dove Renoir dimorò negli ultimi anni della sua vita, innamorato della luce del Midi come già gli era successo anni prima con quella dell’Italia.

Dipingere fiori per riposare la mente

“Fleurs”: si dice che sia stata questa l’ultima parola pronunciata da Renoir il giorno della sua morte, il 3 dicembre 1919, riferita all’intenzione di dipingere una composizione di fiori. Quello floreale è un soggetto col quale si era già cimentato in gioventù e che aveva ripreso dopo la fase impressionista. “Dipingere fiori riposa il mio cervello”, ebbe a dire, “non mi costa lo stesso sforzo intellettuale di quando ho davanti una modella. Quando dipingo fiori, pongo sulla tela toni di colore, sperimento audaci valori, senza preoccuparmi di sprecare una tela. Con una figura umana non oserei tanto”. La citazione aiuta a comprendere lo spirito col quale si era riavvicinato al tema, ma forse risulta un po’ riduttiva se si osserva un dipinto come Roses dans un vase (1900), dove la bellezza carnosa della pennellata costruisce le forme e dà loro corpo e plasticità.

Nature morte a confronto: Renoir, de Pisis, Arturo Tosi ed Enrico Paulucci

È interessante qui mettere a confronto le nature morte di Renoir con quelle di tre artisti italiani, come Filippo de Pisis, che all’inizio degli anni trenta matura una sorta di ‘stenografia pittorica’ giocata su pennellate nervose, intersecantesi in un intrico di segni ariosi su fondi chiari; il lombardo Arturo Tosi, con il suo intimismo naturalistico; e il ligure Enrico Paulucci, che nel pieno degli anni Trenta guardava ai grandi francesi della generazione precedente anche in contrapposizione all’atteggiamento di chiusura nazionalistica che aveva ormai assunto molta arte italiana del tempo.

I ritratti femminili di Renoir: un’esaltazione della bellezza

L’attenzione di Renoir alla figura femminile è proverbiale, e l’artista era anche abilissimo nel liberare da ogni imbarazzo le persone che posavano per lui, guadagnandosene la simpatia con paziente gentilezza. I suoi ritratti, soprattutto nell’ultima fase della carriera, più che psicologici sono un’esaltazione ammirata della bellezza, al punto che i volti risultano quasi inespressivi.

‘Natura pura’: figure dall’inespressività atemporale

Ne è un esempio il ritratto della collezionista Adèle Besson, dove la mancanza di precisione è compensata dalla forza cromatica e dalla capacità di coagulare la figura della donna con lo sfondo indefinito, spogliandola di ogni status sociale fino a renderla ‘natura pura’. E continuando nel gioco dei confronti con l’Italia, una traccia dell’inespressività atemporale dei volti delle donne di Renoir si può ritrovare, ad esempio, negli occhi realizzati in pasta vitrea di Giuliana (1942), bronzo di Antonietta Raphaël Mafai.

Gabrielle Renard: la modella preferita di Renoir

Nel 1894 si trasferisce in casa di Renoir, come bambinaia, la giovane Gabrielle Renard, cugina di Aline Charigot, moglie dell’artista. Da subito diventa la modella preferita del pittore e sviluppa un legame molto forte con il suo secondogenito, e futuro regista, Jean. I vent’anni che Gabrielle passerà in famiglia saranno per Renoir anni felici: nonostante il peggioramento delle sue condizioni di salute, l’affetto dei suoi cari sarà per lui una costante fonte di gioia e armonia.

‘Gabrielle, Jean e Pierre: ritratti familiari

Molti sono i dipinti e i disegni che raffigurano Jean e Gabrielle, e non manca nemmeno il primogenito Pierre: tra questi meritano una segnalazione il quasi sconosciuto Portrait de Gabrielle e il disegno a sanguigna Jean Renoir dans les bras de Gabrielle, colmo di grazia e poesia, un esempio di sapiente equilibrio, di misura veramente classica, tra morbidezza e linearismo ingresiano. Ma il capolavoro è la Gabrielle del Petit Palais di Ginevra, summa dei canoni del ritratto femminile renoiriano.

L’approccio di Renoir all’incisione: linee chiare e contorni puri

A partire dal 1890 Renoir si dedica anche all’incisione: dopo le prime difficoltà nel rendere la propria tavolozza cromatica con questo mezzo, decide di adottare una ‘linea chiara’ a solo contorno. Un ruolo non indifferente nella sua produzione di incisore ebbero l’esperienza e la bravura del suo stampatore, Auguste Clot, che inventò la tecnica del papier à report, che gli consentiva di lavorare sulla carta invece che sulla pietra, eliminando il problema della grana calcarea: Le chapeau épinglé ne è uno dei risultati più elaborati. Eppure, reso merito alla maestria di Clot, le acqueforti eseguite direttamente da Renoir una volta presa dimestichezza con i processi di stampa giustificheranno il giudizio di Henri Loÿs Delteil, che parlò di una “grazia innata, di un’innocenza e freschezza che appartengono soltanto a lui”.